Texte d'exposition Les Caillé.xes

Le film Eat (1963)d'Andy Warhol nous accueille et nous rappelle que si manger répond à un besoin vital, il s'agit également de la mise en scène de nos goûts, de notre contexte social, politique et culturel.

L'ingestion d'aliments est intime tant puisqu'elle accède à nos entrailles que parce qu'elle révèle une étendue de choses sur la personne que nous sommes et celle que nous pensons être. En effet, si les différents rites découlant de l'ingestion (du petit-déjeuner au dîner, en passant par le brunch, l'apéro, le véganisme ou le flexitarisme) évoquent et invoquent un ensemble de déterminismes dont la remise en question et la transgression nous reviennent, ils sont aussi révélateurs de la manière dont nous envisageons et interagissons avec le réel. La ritualité du repas peut être vue comme une tentative de limiter cette chute dans l'intimité, poussant l'individu à s'y oublier. Elle est ainsi créatrice de moments où se dévoile et se construit notre performance sociale quotidienne. Le travail du duo Trapier Duporté se penchent sur ces messes culinaires, entre humour et trivialité, et interrogent ces nouveaux habitus culturels. Se méfiant de l'aseptisation croissante de nos corps et de nos assiettes, ils œuvrent, presque à rebours, à en révéler la dimension charnelle. Semblant suivre une idée similaire, Alex Frost dans sa série Wet Unboxing déballe de la nourriture conditionnée sous l'eau, soulignant magnifiquement l'absurdité de nos comportements alimentaires. Flora Citroën, au travers de sa vidéo Le Vol et de son projet digital @Festin_Food,corrobore et exploite cette idée, s'amusant de nos habitus consuméristes et narcissiques. Aujourd'hui, en effet, la nourriture est plus que jamais outil de communication et de promotion individuelle. Elle devient omniprésente, envahissant les espaces publics et numériques, mise en scène pour célébrer un certain mode de vie. Prenant le terme de « food porn » au pied de la lettre, Emma Riviera propose des fiches de recettes où photographies de nus et recommandations culinaires se côtoient.

La ritualité, cependant, est également source et prétexte à la démonstration des fortes distinctions socio-économiques qui traversent nos sociétés contemporaines. Gaadjika se penche sur la dysmorphie du steak, une théorie de Priscille Touraille[1]selon laquelle la différence de taille entre homme et femme ne serait pas due à des causes biologiques mais est une construction sociale puisque depuis le Paléolithique, les femmes auraient été privées de viande par les hommes. L'absorption de nourriture, pensée et contrôlée, n'est ainsi plus la simple satisfaction d'un besoin naturel mais bien l'instrument d'une politique plus large.

Roland Barthes disait à propos de la raclette : « C'est là, strictement, une opération de peinture. Car dans la peinture, il faut laisser tomber quelque chose quelque part : c'est dans cette chute que la matière se transforme (se déforme) : que la goutte s'étale et l'aliment s'attendrit : il y a une production d'une matière nouvelle (le mouvement crée la matière). » [2]La dimension plastique de la nourriture n'est plus à prouver tant elle jalonne l'Histoire de l'art, si bien que l'on pourrait esquisser cette dernière presque à travers la seule représentation alimentaire. Entre la classique nature morte arborant gibiers et fruits et les œuvres d'Hugo Avigo, nous retrouvons Magritte (Ceci est un morceau de fromage,1936-37)[3] , mais aussi Duchamp, Klein, Warhol ou Gupta - de l'imagerie au matériau. Ainsi, Pierrick Mouton, dépose un simple camembert en céramique dans le (presque) white cube, s'inscrivant délibérément dans la tradition du trompe l'œil alimentaire. Faire un fromage, comme le rappelle Pierre Boisard, c'est donner une forme à une matière entre solide et liquide, le caillé[4]. La charge formelle des aliments semble aussi avoir conduit Nicolas Boulard à sa propre « période bleu » : les différentes couches de feutre superposées de Bleucomposent tout autant le fromage éponyme qu'une possible carte mentale dont les frontières doivent encore être définie par le regardeur.

L'exposition se construit comme votre appareil digestif, de façon organique. Le visiteur suit la trajectoire de la nourriture, de son origine (Grégoire d'Ablon) à sa fin (Léo Aupetit). Entre les deux, les œuvres présentées ouvrent un chemin et l'abordent sous des prismes politiques ou esthétiques, parfois concomitants, et font tour à tour appel à chacun de nos sens - y compris le goût, le toucher et l'odorat. Elles se déploient dans trois espaces à mi-chemin entre l'intime et le public : l'atelier, le rade et la voiture. Chacun, différemment, est un lieu où se dévoile l'âme de son occupant ou de son visiteur. En passant de l'un à l'autre, le visiteur se voit obligé de transiter par la rue, d'interrompre la digestion en cours, et ainsi de se désimmerger entre chaque plongée dans l'intimité « ingestative » des Caillé.xes.

- Margaux Bonopera, Flora Fettah, Curated by Lolita

Avec les œuvres de : Grégoire d'Ablon, Léo Aupetit, Hugo Avigo, Nicolas Boulard, Flora Citroën, Félise de Conflans, Fisdimigré, Matt Frenot, Alex Frost, Gaadjika, Valérie Mréjen et Franck Salama, Nelly Maurel, Pierrick Mouton, Emma Riviera, Aliette Salama, L'équipe de la Nuit du Rêve, Trapier Duporté, Andy Warhol.

Et : Editions Cacahuète, Club Sandwich Magazine, Festin Food, Specific Cheeses et Sauce Magazine.

[1] TOURAILLE Priscilla, Hommes grands, femmes petites : une évolution coûteuse : les régimes de genre comme force sélective de l'adaptation biologique, Paris, MSH Paris, 2008 [2] BARTHES Roland, Réquichot et son corps, 1973, in. Specific Cheeses #5, mars 2016 [3] Specific cheeses #7, mai 2017 [4] BOISARD Pierre, Villa La Brugère, Arromanches, le 30 avril 2017 dans Specific Cheeses #7, mai 2017

Muer.

Je me souviens de cette période durant laquelle les garçons de ma classe muaient, tous, uns par uns. Leurs voix fluettes devenaient basses. Rauques. Quelque chose était en train de se transformer, de prendre forme, mais ni eux, ni nous, ne savions ce qu'ils allaient devenir. Muer pour un garçon de 14 ans, c'est changer de voix. C'est devenir une voix. Creuser sa voix. Muer donc. Évoluer. Certainement.

Ce soir nous sommes réunis pour les deux ans d'Extramentale.
Extramentale est une voix qui m'intéresse car elle émane d'une réflexion autour de l'adolescence. Julia Marchand s'efforce ainsi d'explorer alors autant les thèmes propres à cette période de nos vies, mais également les différentes formes que cela évoque, convoque
Extramentale est un objet profondément intéressant dans sa capacité à faire de la forme un sujet et d'un sujet une forme. Et si Extramentale présente des figures adolescentes aussi fortes et puissantes que tous les héros mythologiques qui peuplent notre imaginaire collectif, elle permet également de s'interroger sur le rôle du curateur et de l'artiste en tant que figures adolescentes et donc multiples, inclassables, mouvantes, changeantes, inédites et nécessaires. L'adolescence semble créer ses espaces au sein desquelles les choses peuvent évoluer sans s'effondrer. Au sein d'Extramentale, l'adolescence devient comme l'exposition : un espace/temps d'expérimentations. Chacun y retrouvera ce qu'il souhaite au sein des propositions de cette plateforme. Mais une chose est certaine et nous nous entendrons ; j'en suis certaine, et surtout ce soir, sur l'absolue nécessité de ces espaces tels Extramentale au sein de nos sociétés. De nos villes. De nos quartiers. Je suis ravie ce soir, de pouvoir, à travers cet espace donc, présenter quelques aspects de la pratique de Camille Alena, qui en plus d'être une artiste avec laquelle je travaille, est une amie et partage avec Julia ce tropisme adolescent.

CHAP 1 : LA NARRATION SERA COLLECTIVE OU NE SERA PAS

Bande-son : La Belle et le Bad Boy de Mc Solaar
Cette chanson est la chanson de toute une génération d'adolescent. Dont je fais partie. Et elle parle d'adolescents. Elle parle de cette histoire d'amour entre un garçon « bad boy » et une belle jeune fille L'histoire banale de deux personnages qui se racontent une grande histoire entre les bancs du lycée et les circuits automobiles. Tout va très vite dans cette chanson. Les personnages sont en mouvement. Ils se racontent. La narration, entre réel et fiction est la base du travail de Camille. Et la narration est souvent mise en place dans son travail, par des adolescents et à travers des adolescents.

Lorsque Camille est venue passer une semaine à la résidence, nous avons pris le temps de visionner plusieurs de ses films, cependant, je n'avais pas eu la chance de découvrir Claire un jour, Claire toujours. Réalisée il y a 10, il pose cependant les bases de la pratique de Camille et développe ainsi des outils et des thèmes que l'on retrouvera ensuite tout au long de ses travaux. Et avant tout ce rapport à la narration. Dans ce film, nous sentons que Camille cherche déjà à guider son interprète tout en lui laissant un espace suffisant pour lui permettre de développer son imagination et de s'épanouir. Ici la narration sous couverts de questions revêt la forme d'un film amateur, expérimental, dont le sens nous échappe mais que pour mieux nous intriguer. Je me demande. M'interroge. La potentialité d'une histoire apparait moins certaine dans ce film que dans ses derniers comme Playlist réalisé en 2018 ou un groupe d'ados qu'elle suit prend les devants sur le potentiel scénario voulu par l'artiste. Ils décident, parlent de ce qu'ils aiment, font, détestent. La proximité et la certaine maladresse qui émane du film de Claire va selon moi de pair avec le peu d'écart d'âge qu'entretiennent à ce moment la réalisatrice/artiste et son sujet. Plus Camille grandit, plus elle mue, plus l'écart se creuse avec ses interprètes et plus la narration devient un territoire dont chacun cherche à s'emparer. Ce n'est pas alors les outils qui se transforment directement mais celui qui les utilise qui évolue. Camille n'a plus 20 ans. L'adolescence comme mouvement perpétuel devient alors le garant d'un élan vital obsédant.

En continuant à créer des films, car c'est le principal médium de Camille, elle a doucement mis en place une narration qui n'existe que partagée par tous les acteurs du projet. Elle se place selon moi ainsi parfaitement à côté de l'écueil de la littérature contemporaine, qui consiste à faire reposer plus de la moitié des romans sur ce style dit de « l'auto fiction », apparu dans les années 70, et plus spécifiquement en 1977 et qui par manque de je ne sais quoi, s'écarte toujours un peu plus de l'imaginaire. Ce style de littérature qui, s'il part d'un postulat imaginaire ne fait que des mouvements en avant pour tenter de rejoindre maladroitement souvent le réel. Camille fait l'inverse, elle part du réel pour ensuite y dissoudre de l'imaginaire. Le réel devient un immense espace. D'évolution, circonvolution, tentations.

CHAP 2 : DE SONORES PERSONNAGES REJOUISSANTS

Bande-son : Tout pour la musique de France Gall
Camille travaille avec plusieurs personnages à la fois. Souvent des adolescents ou de jeunes adultes qui acceptent pendant un moment donné de se livrer, de mentir, dans tous les cas de lier un rapport particulier avec Camille. Les personnages de Camille ont tous quelque chose d'original. Cela est d'autant plus flagrant dans son film : We Win or we Die again, Art Basel, 2018
Chacun des protagonistes fait quelque chose d'exceptionnel. Ils sont dans leur banalité déconcertante au sein de notre société du spectaculaire, des êtres énigmatiques, parfaitement ambiguës, aussi contrariants que rassurants. Je m'imagine parfois que ces personnages sont avant tout le reflet de l'unique perception de l'artiste sur ce que n'a pas été son adolescence. Peu importe. Après tout. Les personnages de Camille ont quelque chose de spectrale, comme les personnages d'Eugene Green dans son film La Sapienza, 2014. Le frère et la sœur qui sont deux des personnages principaux, semblent devenir au fur et à mesure du film des formes de réceptacles au sein duquel le réalisateur glisse l'ensembles des idées qu'ils souhaitent. Le personnage n'a pas besoin d'être proche de la réalité, crédible et véridique. Il est. Et nous lui feront jouer le jeu que nous souhaitons au sein de notre esprit en retour en tant que spectateur. Les personnages de Camille exercent ce même effet sur nous. Ils sont là, mais changent alors même que je me les approprie. Ils disparaissent alors même qu'ils se fixent sur ma rétine.

Si Camille évolue et ainsi son regard sur les personnages et donc la façon de les présenter, je me demande si ces personnages ont quant à eux assez d'espace pour évoluer ?
J'ai toujours été profondément admirative de la manière dont Camille suivait les personnes avec lesquelles elle décide de travailler. Elle tisse ainsi un rapport. Étonnant avec des gens qui acceptent de jouer avec elle. De lui parler. De s'exécuter. Oui c'est un jeu, ou personne ne sait exactement ce qu'il va se passer. Ni les acteurs, ni Camille, ni le spectateur. Tout peut basculer. Rien ne peut tomber.

On ne peut cependant parler des personnages dans le travail de Camille sans évoquer l'un de ses principaux protagonistse qui est la musique. Omniprésente, liante, structurelle et conceptuelle, la musique dans les travaux de Camille prend différentes formes mais est toujours nécessaire. Il n'est pas rare de voir certains de ses personnages jouer du piano, siffler, former un chœur ou accompagner un groupe de musique. Il me semble que la musique est l'un des éléments les plus proche, les plus lié à l'image de la Mue.

A penser à une mue, je ne peux m'empêcher d'y accoler une musique. Car la musique est composée de mouvement, de notes qui rythment le passage du temps. La Mue condense cela, la mue est une étape du temps.

CHAP 3 : LA FRAGILITE, MA DOUCE, LA FRAGILITE

Il y a en Camargue de nombreuses libellules. A Piémanson l'été, elles volent ainsi tout proche du sol. Et puis à l'automne, dans les Alpilles, il y a des criquets, qui muent eux aussi. Qui se débarrassent de leurs anciennes peaux ou en revêtir une nouvelle. Abandonnant ainsi une enveloppe passée sur une certaine couche de la réalité, les criquets redeviennent ultra poreux. D'une sensibilité extrême, le monde vient se heurter de nouveaux contre leurs corps mous.

Les adolescents, moi adolescente, il me reste des sensations de la sorte. Toujours en train de changer de peau pour trouver celle qui me conviendrait le mieux, je ne suis que fragilité.
J'ai particulièrement aimé le film playlist  qui, se calant presque sur le rythme d'une série télé, laisse comme déjà évoquer, ces adolescents parler entre eux, tout en se modelant le visage. Je tenais à insister et m'arrêter sur cette notion de fragilité qui parcours autant l'identité de la plateforme Extramentale, que l'oeuvre de Camille, que l'adolescence ou encore le processus de la Mue. En échos à notre période contemporaine insistant constamment sur nos capacités de puissance et de force, j'aime à penser que la fragilité est un moyen si ce n'est mieux, plus poétique pour se faire se rencontrer les choses.

Les films de Camille son fragiles car ils ne sont pas tout à fait techniquement au point. Les acteurs ne sont pas de vrais acteurs. Ils viennent d'une communauté secrète que Camille agrandit à chaque nouveau projet. Les films de Camille sont tous ceux que j'aurai aimé réaliser que je ne réaliserai jamais. Ils sont tous ceux où j'aurai aimé jouer et pour lesquels je suis déjà trop grande. Ils sont les images rêvées d'une adolescence que je ne vivrai plus.

Ce n'est pas triste, ce n'est pas grave. C'est ainsi. Les travaux de Camille après tout ne sont pas des vies à vivre mais doivent rester des œuvres à regarder.

Margaux Bonopera, 2019

Lecture dans le cadre des 2 ans d'Extramentale, Arles, curated by Julia Marchand https://extramentale.com/fr/exposition/2-ans-

Aliette Salama et ses allié.e.s

Maxime Rossi

Camille Alena

Mehdi Besnainou

Les performances proposées par les 4 artistes invités se glissent dans les interstices qui s'épanouissent entre les visiteurs, les baigneurs et les oeuvres exposées dans les cabanons. Ici, les performances et les actions ont moins un rôle spectaculaire que vectoriel, et si un groupe d'individus, élégamment vêtu se jette à l'eau, et si nous pensons reconnaitre notre amour de jeunesse sur un poster, si assommés de chaleur, nous plongeons et que nous aussi nous entendons, il semblerait c'est vrai, des sons, si un professeur revenu de voyage nous livre le récit de ses aventures, et bien, ET BIEN, cela pourrait nous paraitre tout à fait normal...

En effet, l'objectif de ces performances et de ces actions, sont d'entrer en dialogue à la fois avec un lieu saturé de contraintes, avec des visiteurs plus ou moins attentionnés et enfin de ne pas phagocyter les autres œuvres présentent sur ce territoire.

Les propositions des 4 artistes invités sont « liantes ». Elles guident le public à pénétrer l'exposition, comme les éclaireurs, elle balisent le terrain. « Allez-y monsieur, vous ne glisserai pas, et si cela arrive, nous vous tendrons la main pour vous aider à vous relever, on vous le promet ! »

Toutes ces œuvres jouent sur la possible existence d'évènements et de situations qui vraisemblablement impossibles ou absurdes, se révèlent réelles, et nécessaires. Et si c'est l'exposition d'œuvres accrochées qui permet à ces actions d'exister, ce sont ces actions qui permettent à nos pensées, aussi folles soient-elles, aussi étranges soient-elles d'exister un peu plus, collectivement, pendant un moment, sur cette plage.

Marseille, Août 2018, pour le programme de performances de l'exposition Notes for a Shell / Cabanon des plages de la Verrerie, Art-o-Rama 2018

Londres, Juin 2016

Ma chère Marie,

Il y a quelques chose de courageux ou d'inconscient dans ta peinture, car il faut avoir du culot aujourd'hui pour s'emparer de deux grands médiums historiques, en l'occurrence, le dessin et la peinture. C'est amusant, dans mon imaginaire, ces deux techniques sont d'ailleurs indissociables l'une de l'autre. De plus, le lien que tu entretiens avec l'Histoire de l'art ne s'arrête pas là, car tu as choisi pour cette exposition Vous m'habitez infiniment, le format du diptyque. Quel choix étonnant lorsque l'on connaît l'utilisation qu'en faisaient les anciens et sa symbolique. Dans ta pratique, le diptyque ne réunit pas deux personnages ou deux histoires, il n'est pas non plus le moyen de regrouper les dualités de notre monde. De ton point de vue, il rassemble un portrait fragmenté au sein d'un même espace pictural. Pourquoi ?
Tous tes portraits transportent avec eux une histoire double. Celle qui provient de l'image sur laquelle tu t'es basée au départ, et celle que tu inventes ensuite. Car il est intéressant de souligner le fait que tu puises tes images dans la grande bibliothèque numérique qui excite un peu plus chaque jour nos rétines contemporaines. Les récits qui se dessinent ensuite à travers tes portraits sont alimentés tant par les histoires que tu écris que par les interprétations que les regardeurs font de tes travaux. C'est pourquoi ces diptyques apparaissent alors, selon moi comme des réceptacles de fantasmes, de peurs et de narrations collectives. Comme un feu autour duquel nous pourrions nous regrouper, tes peintures nous invitent à nous resserrer afin de laisser émerger de nouveaux liens et d'improbables rencontres. Tu dis que l'œil est un organe de dévoration qui nous pousse à une pulsion « scopique ». Tout un programme ! On pourrait en sachant cela renoncer à toute contemplation d'œuvre d'art. Néanmoins, on sait toutes les deux qu'une fois le « gobage » visuel accompli, s'en suit la digestion mentale. Et c'est ainsi que l'on se transforme, c'est pourquoi l'art en général est une chose absolument nécessaire.
Ta pratique est exigeante, et j'ai compris depuis peu que ces limites que tu t'imposes (médium, format, technique) sont autant d'éléments qui permettent le processus épiphanique de l'apparition des figures. Cela m'a fait pensé à l'histoire du Saint-Suaire de Turin... Tu sais, c'est ce drap sur lequel apparaît la trace du visage du christ... On a ensuite considéré cet objet comme l'une des preuves empiriques ultimes de son existence. Ne négligeons pas la représentation des visages donc, et encore moins leurs traces. Tu l'as si bien compris, et je sais que cela t'obsède, « (...) le monde en lignes et en contours. Mon intérêt est moins dans la vraisemblance que dans un écho avec le vivant ». Enfin il semblerait que l'acte le plus fort dans tes portraits reste cette déconstruction, cette fragmentation du motif. Tout est reconnaissable mais aucune image ne semble réellement s'attacher à notre esprit. Il y a quelque chose de fantomatique qui surgit alors. Ces personnages sont là devant nous, mais semblent déjà voyager entre les différentes couches du temps. Il ne sert à rien de tenter de vouloir les rattraper. Tu dis toi même que tu considères tes portraits avant fragmentation comme ; « finis, dans un mélange de lassitude et de satisfaction, j'appelle ça un écoeurement heureux ». Il me semble qu'en faisant ce choix, tu esquives le bonheur pour te concentrer sur la joie. Décomposés, tes personnages vivent tout de même très fort. Tu souffres en les explosant, et cela est long et méthodique, cependant, c'est ainsi qu'ils semblent vivants. Ce démantèlement semble être l'étape nécessaire de leurs avènements au monde. Plus simplement images, tes personnages sont aussi abîmés que les personnes qui les regardent.

« Bergson décrit le réel comme une réduction, une négation de tous les autres possibles. Choisir c'est sacrifier. Mais je trouve, que ce sacrifice, charge le choix d'une certaine force, même si au final ce choix est quelque peu arbitraire, il confère à l'œuvre une aura (...) Je recherche à travers ces « compositions fragiles », ces « visages bouleversés », un moyen de laisser rêver les formes. »

Merci Marie.
Tout cela est très bien. Je t'embrasse.
Margaux

Texte à retrouver dans l'édition originale : Vous m'habitez infiniment, imprimée à l'Imprimerie du Marais, Juillet 2016. 400ex numérotés avec textes et reproductions des gravures de l'artiste.